Eduardo Guillot repasa en su libro, «Sueños eléctricos. 50 películas fundamentales de la cultura rock», la relación que ha tenido el cine con la cultura rock y el uso que se ha hecho del mismo para promocionar o documentar las andanzas de sus máximos referentes así como la importancia de la música rock en la obra de algunos de los directores de cine más afamados.

No es el primer trabajo en el que escribes sobre la relación entre la música y el cine, ¿hacía falta una actualización pasados los años o son dos proyectos independientes?

Son proyectos independientes. “Rock en el cine” (La Máscara, 1999) era una primera aproximación al tema, en una época en que no existía el acceso normalizado a internet que tenemos ahora, por lo que incluía datos que hoy en día es muy fácil consultar en imdb, como las filmografías de diversos músicos. De algún modo, era un censo (unos 800 títulos) que podía servir como guía, porque no existía nada publicado sobre el tema en España. “¡Rock, acción! Ensayos sobre cine y música popular” (AvantPress, 2008) era un volumen colectivo, en el que ejercí de coordinador, donde varios especialistas ofrecían un estudio cronológico sobre las relaciones entre el cine y el rock desde sus orígenes hasta la actualidad, con capítulos específicos dedicados a épocas determinadas (años 50, 60, 70) o estilos concretos (soul, electrónica, biopic, punk, hip hop, rock alternativo). Finalmente, “Sueños eléctricos” es, como indica el subtítulo, un análisis individualizado de 50 títulos fundamentales del cine vinculado con la cultura rock, en la más amplia concepción del término, precedidos de un texto introductorio que sintetiza las claves históricas de la relación entre ambos.

Se percibe una evolución en género y temática entre los títulos más antiguos enumerados en el libro y los más actuales, ¿podrías explicarnos las diferencias fundamentales y qué parámetros prevalecen en la actualidad?

En sus inicios, el cine tiene una función propagandística, en muchos casos meramente promocional, y también se convierte en una herramienta del sistema para domesticar el rock, como se puede comprobar en las películas de Elvis. A medida que surgen miradas diferentes, como la de Richard Lester (en sus películas con los Beatles) o D.A. Pennebaker (fundador del rockumental), las películas rock se vuelven más ambiciosas, y tratan de capturar el espíritu de su época de muy diversas maneras, ya sea desde planteamientos documentales o de ficción. En los últimos años, la ficción se ha decantado por el biopic en su vertiente más convencional, pero el documental ha experimentado un auge importante, debido a la posibilidad de afrontar proyectos de bajo coste y a las posibilidades de experimentación que ofrece el formato.

¿Puede hablarse de una película definitiva sobre la cultura rock como por ejemplo lo es «El Gran Miércoles» a la cultura surf o los géneros, temáticas y usos que de la música se hacen en ellas son tan amplios que no tendría sentido comparar unas con otras?

Es muy difícil escoger solo un título, la cultura rock es tan amplia que no puede reducirse a una película. “Quadrophenia” sí es el título clave de la subcultura mod, como probablemente “Caiga quien caiga” lo sea del reggae, pero en otros estilos relacionados con el rock el abanico se amplía enormemente. Sería una elección reduccionista y sin demasiado sentido.

¿Crees que aún está sin rodarse la gran película española que aborde el tema de la cultura rock? ¿Sobre qué o quién te gustaría que se realizara?

La relación del cine con el rock en España ha sido tan problemática como lo fue en su momento la penetración de los nuevos ritmos en una sociedad que estaba encerrada en sí misma y miraba con suspicacia y escepticismo las tradiciones culturales extranjeras, sobre todo si venían acompañadas de algún atisbo de revuelta juvenil. La historia del cine rock español es la historia de una frustración. Una historia de excepciones. La tónica habitual era introducir la música pop en las películas para ridiculizarla, como sucede en “Una vez al año, ser hippy no hace daño”, donde aparecía un grupo llamado Los Hippy-Loyas. Hoy en día, las cintas musicales realizadas en los sesenta constituyen un valioso documento histórico, sociológico y musical, y hubo algunas películas que merece destacar por diversas razones, como “Los chicos con las chicas”, “Megatón Yé-Yé”, “A 45 revoluciones por minuto” o “Un, dos, tres… al escondite inglés”. La democracia no cambió el panorama, y solo dejó desperdigados algunos títulos de culto como “Percusión” o “Gritos… a ritmo fuerte”, pero la película rock española que marcara un antes y un después continuó sin llegar. En el terreno documental, el músico Fermin Muguruza o Ramón Lluís Bande han hecho aportaciones de interés en los últimos años, pero aún son insuficientes en su relevancia histórica como para formar parte de un listado de títulos esenciales.

Sueños eléctricos. Eduardo Guillot. Editorial UOC. 208 páginas. 22,75 Euros

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Tu obra abarca prácticamente todo el rango audiovisual, diseño, fotografía, cine… ¿en qué disciplina de todas ellas te sientes más cómodo?

Yo me siento más cómodo en el momento en el que, sea cual sea la disciplina, tengo una idea previa que es la que voy a desarrollar. Quiero decir que si es un cortometraje me siento cómodo porque hay una idea que se ha ido desarrollando durante un tiempo y cuando llega por ejemplo el momento del rodaje tengo muy claro qué quiero contar y cómo quiero hacerlo, así que se trata de llevar lo que tengo en mi mente a la realidad. En el caso de la fotografía o del diseño ocurre parecido, no te sientas delante del ordenador a ver qué se te ocurre o coges la cámara y ya se verá. Para llegar a un diseño hay una idea previa y en el caso de la fotografía un estilo o algo que contar. El problema no es tanto, para mí al menos, la disciplina sino tener claras las cosas antes de ponerte a ellas. Pero si tuviera que elegir me quedaría con el cine. El cine supone crear un mundo diferente de aquel al que te enfrentas a diario. Recuerdo en el rodaje del último corto estar en un callejón de noche, con los actores, la iluminación, etc… y pensar al mirar por cámara que esa misma mañana había estado en esa localización y como en ese momento lo que veía en el monitor era totalmente diferente, cómo gracias al trabajo de los que estaban a mi alrededor se había transformado la realidad para conseguir lo que tenía en mi cabeza, y esa sensación, pese a todos los problemas que suele haber, merece y mucho la pena.

Es dentro de la fotografía donde mayor variedad de géneros podemos encontrar en tu trabajo. Retrato, fotografía de calle, de viajes, también foto de autor… una producción muy diversa. A la hora de fotografiar, ¿surge la imagen en tu mente antes de hacer la fotografía planificando la escena de forma previa o te dejas guiar un poco por la intuición del momento?

Ambas en realidad, porque depende del tipo de fotografía que esté realizando en cada momento. Lógicamente en la fotografía de calle o de viajes estás obligado a trabajar según el momento porque no sabes qué es lo que te vas a encontrar, a diferencia de una sesión de retratos, por ejemplo, en la que tienes pensada de antemano la iluminación, las poses, etc… Sin embargo también hay una mezcla de actitudes en ambos casos. Cuando salgo a la calle con la cámara tengo un estilo, busco un tipo de imágenes que me atraen en base a una luz o a una situación determinada, así que desde el principio tengo parte de la imagen planificada. Y en el caso de las sesiones de estudio ocurre lo contrario, una vez pensada y preparada la iluminación surgen en el momento ideas que no tenías porque la persona que tienes delante te ofrece o te permite realizar cosas diferentes que van surgiendo.

A día de hoy la fotografía se ha universalizado de tal manera que vivimos una avalancha de imágenes sin precedentes. ¿Crees que pueda acabar produciéndose un hastío ante ella que acabe por retraer a gente con inquietudes artísticas de emplear esta disciplina para expresar su creatividad?

Creo que ese problema no se reduce únicamente a la fotografía sino que afecta a más disciplinas artísticas, como el cine, sobre todo en el caso de los cortometrajes o en la literatura los relatos cortos. Hace poco vi que en un concurso de cortos habían recibido 1200 a concurso. Ya no es sólo el hecho de cómo conseguir destacar entre todos ellos sino para empezar cómo conseguir la atención necesaria del jurado durante el tiempo que dura tu trabajo para que se valore de forma adecuada y no pensando en todos los que quedan aún por ver.
En el caso concreto de la fotografía han confluido varios factores, por un lado el abaratamiento de las cámaras y sobre todo la llegada de los móviles, y por otro la invasión de plataformas que en principio estaban pensadas en exclusiva para la fotografía por personas ajenas a ella, lo que hace complicado encontrar un lugar donde las imágenes se valoren por ellas mismas y no por los contactos que tengan. Eso puede llevar al desánimo, pero hay que entender que el arte, como la vida, no es un sprint sino una carrera de fondo, en la que hay que luchar, encontrar un estilo, expresarse y poco a poco encontrar un hueco.

¿Podrías comentarnos cuáles son los motivos o autores en los que te inspiras para realizar tu trabajo? ¿Varían según la disciplina que abordes?

Si hay un autor que me inspira, además de disfrutar con su trabajo, es Steven Spielberg, un referente que además me sirve para varios campos, por un lado su forma de narrar, cómo consigue que los personajes se muevan por la escena, y por otro la fotografía, la luz que tienen sus películas. Pese a la diferencia abismal entre sus posibilidades y las mías es una inspiración a la hora de trabajar. Y después de él, saltando de disciplina, hay un fotógrafo que no me canso de admirar que es Elliot Erwitt. Tiene una mirada optimista incluso cuando se encuentra fotografiando la guerra de Vietnam y una forma de ver las cosas diferente. Lejos de sus imágenes más conocidas, a mí hay una particularmente que me parece que resume su trabajo y su sensibilidad, y que creo que conecta también con la de Spielberg, y es la de un miliciano, en Valencia, y su novia bailando en la cocina mientras Erwitt desde lejos les saca una foto.

¿Te sientes más cómodo trabajando por encargo, diseñando por ejemplo un logo o cartel para una empresa determinada o haciendo una sesión de fotos planificada de antemano o es cuando no hay condiciones previas cuando mejor te desenvuelves en tu proceso creativo?

Creo que estoy más cómodo cuando hay un reto. Evidentemente cuando has hecho algo varias veces tienes una seguridad en que lo vas a hacer bien, pero personalmente es más interesante en el caso contrario, cuando es la primera vez. En ese momento creo que te concentras más, estás atento a más detalles, buscas sorprender, etc… Salir de la zona de confort es sin duda lo mejor para el proceso creativo. Si luego le añadimos el no tener condiciones previas aún mejor porque te permite experimentar, jugar con el trabajo, pero aun así, creo que lo mejor son esos nervios que tienes al hacer algo por primera vez, o algo que tenías olvidado, los que hacen que esté más cómodo.

Suele ser habitual que quien realiza cortometrajes antes o después acabe saltado al largometraje, a pesar de las grandes complicaciones que llevar a cabo semejante tarea, ¿te ves en futuro cercano asumiendo un reto así?

Estaría bien, pero hay que reconocer que un largo son palabras mayores, pero también hay que tener en cuenta que ese salto ya no se realiza, por un lado por las dificultades que conlleva y por otro porque son lenguajes diferentes, conceptos distintos. El corto es una disciplina propia, tiene sus reglas, su forma de contar historias de manera particular y no es necesariamente una vía para llegar al largo, en realidad puede ser una meta en sí mismo. Lo que ocurre que, a nivel de público, el corto parece un trabajo menor y una antesala del largo, cuando no tiene porqué ser así en ninguno de los dos casos.

Puedes disfutar de la extensa obra de Enrique Rey Monzón en su página web:

lucesdelayer.com

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