Que Los Punsetes publiquen nuevo material siempre es una buena noticia y la noticia viene esta vez en formato EP, de nombre “Madrid me ataca” conformado por cuatro canciones que definen bastante bien la esencia de la banda. 

Vuelven las melodías pegadizas, ritmos furiosos y esa rabia contenida que su hierática cantante deja entrever en letras siempre punzantes, divertidas y, en ocasiones, desconcertantes. 

Tan breve como intenso, los cuatro cortes van desde el himno en toda regla que supone su tema principal, un canto de amor-odio a la ciudad de Madrid, hasta llegar a estilos cercanos al punk tanto en letras como en ritmos en Tin/Tae, pasando por un pop clásico de alta energía en el resto de los temas. 

Una fórmula tan reconocible como efectiva, de canciones redondas, contundentes y casi atemporales, que sitúa a la ya clásica banda como una de las apuestas seguras del panorama musical español en un trabajo que deja con ganas de más y que esperamos sea la antesala de un nuevo larga duración. 

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El Amapiano, estilo musical en ascenso, destaca por un contagioso ritmo que fusiona Afrobeat con House. Originario de Sudáfrica, se ha ido expandiendo y evolucionando como un fenómeno cultural que refleja la vibrante escena musical de las grandes urbes africanas. Un estilo que ha logrado conquistar audiencias globales, convirtiéndose en uno de los géneros que mejor define hoy en día la actualidad de la música electrónica destinada a la pista de baile.

Uno de los nombres propios del género, el pretoriano DJ Black Low, presentó este pasado año su segundo álbum de larga duración en el que, fusionando lo local con lo global vuelve a crear una colección de temas de infeccioso e hipnótico ritmo repitiendo una fórmula que cada vez consigue más adeptos entre el público europeo.

El álbum, compuesto por doce pistas con vocales destacadas, refleja la habilidad de Black Low para deconstruir los desarrollos rítmicos con una estructura repetitiva de capas superpuestas. A través de títulos y letras, el álbum muestra influencias y ambiciones, mientras que la música en sí misma busca alcanzar entre los oyentes un estado similar al trance.

Las colaboraciones en la producción aportan ideas constantemente sorprendentes, yendo un paso más allá de su trabajo anterior.

Una buena muestra este Impumelelo de un estilo llamado a ser hegemónico y que puede ser la piedra de toque para saber más del Amapiano, un estilo musical en plena efervescencia.

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Uno de los acontecimientos más destacados del pasado año en la escena musical fue la vuelta, tras una pausa de siete años, de SBTRKT, con su álbum «The Rat Road «. Una vuelta que supuso además el desprenderse de la máscara tribal que caracterizaba su identidad artística.

Quizás la muy alta expectación generada ante un nuevo trabajo tras tanto tiempo lastró un poco el nivel de aceptación que tuvo entre el público, siendo un trabajo largo, de más de veinte temas, y algo disperso en cuanto al estilo y sin una idea central consolidada.

Aunque tampoco sea un álbum descartable ya que a pesar de no llegar a las cotas de su debut, cabe destacar en él varios temas y una lista interesante de colaboradores.

Atmósferas oscuras en buena parte del trabajo en el que, transitando por los diferentes estilos de la electrónica, cada artista invitado impregna los temas en los que participa, otorgando al conjunto resultado desigual, alternando grandes cotas de brillantez con momentos algo tediosos.

Una figura importante del panorama musical cuya vuelta siempre habrá de congratularnos, quizás no es su mejor momento creativo, pero que por momentos se muestra como el gran artista que es, puede que en pleno proceso de transición hacia nuevas sonoridades.

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Nadie esperaba ya que Everything But The Girl volviera a estar de actualidad, pasados ya casi veinticinco años de su ya mítico «Temperamental«, obra cumbre que supo resumir el pulso musical de final de siglo y que concluía una carrera de casi dos décadas en el que el dúo supo transitar, siempre desde una exquisita elegancia, por diferentes estilos tales como el pop, la bossa nova, el jazz o el drum ‘n’ bass. 

Pero en este 2023, Ben Watt y Tracey Horn presentan «FUSE», una nueva apuesta que pretender poner al día el proyecto. 

A pesar de los años transcurridos, la escucha de sus temas lleva a pensar que se han mantenido cercanos a la actualidad musical pues sonido y ritmos se encuadran dentro de las tendencias actuales, aunque sin separarse nunca demasiado de lo que hizo de la banda algo tan reconocible. Y es que basta escuchar la voz de Tracey Horn, tan cálida como siempre, pero con nuevos matices derivados de la edad, para saber qué estamos escuchando. 

Un disco que apelará a la nostalgia en aquellos fans de la banda que disfrutaron en el pasado de aquella mezcla de euforia y nostalgia que impregnaban sus canciones, que puede servir para descubrir su pasado luminoso en las nuevas generaciones y que, si bien el disco adolece de algo más de arrojo a la hora de probar nuevos ritmos, da buena cuenta de la maestría de una pareja que ha firmado algunas de las piezas más elegantes que la música popular ha producido. 

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El cuarteto londinense Ladytron presenta su ya séptimo álbum, “Time’s arrow”, en el que vuelve a hacer gala de ese elegante synth-pop de sonidos coloristas y melodías pegadizas tan marca de la casa. 

La banda comenzó a conseguir repercusión a principios de siglo, en pleno apogeo del Electroclash, subestilo dentro de la música electrónica, base de mucha de la música más popular de la actualidad. De aquel entonces fue su ya clásico “Seventeen”, tema que gracias a redes sociales como TikTok ha conseguido una gran popularidad entre el público más joven que apenas pudo previamente saber nada de la banda ya que esta vuelta con nuevo material se produce tras un muy largo paréntesis. 

Fieles a su estética futurista y pose hierática, se percibe, sin embargo, una crítica en sus letras a esta era digital, en la que todo es más rápido, menos profundo y más solitario. Unos tiempos fríos emocionalmente que casan bien con canciones tan perfectas como aparentemente desapasionadas. 

La atemporalidad podría ser una característica del estilo de la banda pues buena parte de las diez canciones que componen el álbum bien podrían encajar en discos anteriores de la ya larga carrera del grupo. 

Trabajo solvente, por tanto, de una banda que no decae en intensidad a pesar de sus ya muchos años de carrera, si bien transita por propuestas que hace ya tiempo perdieron su carácter novedoso. 

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El legendario grupo Depeche Mode, con casi cuatro décadas de trayectoria, ha lanzado su último trabajo, «Memento Mori». A pesar de las dudas surgidas durante su gestación tras la repentina muerte de su miembro Andy Fletcher, el resultado es un álbum que demuestra que la banda aún tiene mucho que ofrecer. 

Depeche Mode ha sido una influencia clave en el desarrollo de la música electrónica y ha sido fundamental en la popularización del género a nivel mundial. Desde su surgimiento en los años ochenta, la banda ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. 

Con su fusión tan característica de elementos electrónicos, sintetizadores melódicos y letras introspectivas, Depeche Mode supo conectar con el pulso de su tiempo, convirtiéndolos en una de las bandas más influyentes y exitosas de su generación. 

«Memento Mori» representa una nueva etapa en la carrera de Depeche Mode. En este álbum, se puede apreciar una madurez artística y una exploración musical más profunda, sin perder la esencia que los ha caracterizado desde sus inicios. 

Su habilidad para crear melodías envolventes y letras emotivas sigue siendo una de las fortalezas de la banda, y en «Memento Mori» se destacan estas cualidades. 

Aunque el álbum en general está impregnado por la oscuridad y la duda, características que han sido siempre parte de su estilo, también contiene canciones optimistas que dan buena muestra de que la banda sigue explorando nuevos horizontes, manteniéndose relevante en la escena musical actual. 

Pasan los años, con sus modas, costumbres y nuevas propuestas, pero Depeche Mode sigue siendo una fuerza importante en la música pop e influencia en varias generaciones de músicos. Con este nuevo lanzamiento, continúa su trayectoria de excelencia artística y sigue manteniéndose como una referencia. 

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Nia Archives es la última de las grandes promesas que cíclicamente surgen de los barrios de Londres. Unas pocas colaboraciones y remixes han bastado para que recaiga sobre ella la atención del panorama musical.

Nia recupera estilos que alcanzaron su cenit de popularidad en los años noventa tales como el Jungle o el Drum ‘n’ Bass y lo hace manteniendo la contundencia rítmica de ambos, pero añadiendo un refrescante toque de Soul gracias a su sugerente y poderosa voz.

La joven británica presenta esta primavera “Forbiden Feelingz”, EP de seis temas que la sitúan por derecho propio como último eslabón en la fructífera conexión Londres-Jamaica a la que tanto debe buena parte de la música británica. Un trabajo que desde su misma portada, compuesta por imágenes de figuras relevantes de la cultura negra, es una declaración de intenciones que otorga un posicionamiento político a movimientos urbanos como el Hip-Hop , el Sound system o las fiestas ilegales.

Podrían parecer inevitables las comparaciones con la estrella Tiktoker Pink Pantheress y su revisión nostálgica del género, pero bastan pocos minutos de escucha para comprobar lo profundo de las raíces en las que Nia asienta su propuesta, con una voz que conecta con grandes nombres del Jazz como Erykah Badu o Nina Simone y una trayectoria musical que ha transitado bajo la mentoría de EQ50, colectivo que busca aumentar la presencia de las mujeres en la escena del Drum ‘n’ Bass.

Una irrupción interesante en suma que puede ampliar los límites de unos ritmos que ya parecían haber vivido hace mucho sus mejores tiempos y que, sin embargo, vuelven a sonar tan actuales como luminosos.

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De entre los discos más destacados publicados durante el pasado año figura “Two Ribbons”, el tercer larga duración de Let’s Eat Grandma. Banda británica integrada por Rosa Walton y Jenny Hollingworth, amigas desde la niñez y que hace casi diez años, unieron fuerzas para sacar adelante un proyecto musical que en el pasado 2022 alcanzó su plenitud.

El disco transcurre como si fuera una conversación entre ambas, en la que hablan del pasado, de aprender a resignarse ante la fatalidad, de sanación y de una mirada hacia un futuro que por fuerza ha de ser luminoso. Todo ello, probablemente haciendo referencia a complicadas circunstancias personales que pusieron en duda incluso la continuidad de la banda.

Letras sombrías, con un punto de transgresión, contrastan con melodías llenas de momentos que apelan a la euforia más desaforada, con ritmos más accesibles que en sus dos anteriores álbumes y una cierta atemporalidad de su sonido, quizás la cualidad más característica de la banda.

Un sólido álbum, en suma, de poderosas canciones y pegadizos estribillos, tan inmediatas como heterogéneas, que surcan entre coros y sonidos electrónicos por un pop elegante que coloca a la banda como una de las propuestas más interesantes de esa fábrica de música maravillosa que sigue siendo Reino Unido.

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El nombre de Pixies pesa en el imaginario colectivo como aquella banda de finales de los ochenta que sentó buena parte de las bases de lo que sería la música popular durante los primeros años de la década siguiente. Una de las precursoras del concepto de banda independiente, de cuyo estilo abrasivo y directo fueron deudoras bandas claves como Nirvana, Blur o Radiohead.  

Siempre asociados a una especie de malditismo por no haber conseguido alcanzar el éxito, a pesar de la influencia de su propuesta, y convertidos en grupo de culto tiempo después de su disolución en 1993 tras la publicación de cuatro álbumes. 

Y hasta ahí podría haber sido la historia del grupo, al que se recordaría como un pilar fundamental de un tiempo ya pasado, pero que, sin embargo, volvió a la vida, pasados veinte años, para continuar una carrera musical tan sólida como la de la primera época. 

Pixies vuelven con el cuarto elepé de esta segunda época, octavo de toda su trayectoria, con un disco de canciones solventes, que transitan por el pop más clásico, pero que se abren a diversas influencias y que quizás lo convierten en su trabajo más accesible. Una vez más, mirando hacia adelante e incidiendo en su empeño por alejarse de toda nostalgia por su tan reivindicada, a día de hoy, primera época, mostrando tanto su inquietud artística como su valentía por renunciar a una más que probable exitosa carrera como banda revival. 

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Superorganism, banda multicultural con miembros originarios de Australia, Japón, Corea del Sur, Reino Unido y con base de operaciones en Londres, vuelven con su segundo larga duración tras un debut que llamó la atención por una fresca propuesta de pop luminoso y letras que enganchaban con las inquietudes de su generación.

En “World Wide Pop” amplían la apuesta incidiendo en estilo y letras que hablan de ciencia ficción, fatalismo postadolescente, soledad y tecnología, no exento todo ello de puntadas de un ácido sentido del humor.

Canciones que parecen haber querido ganar en complejidad, contando para ello con numerosas colaboraciones y que, si bien parecen haber perdido algo de la frescura con respecto al disco anterior, mantienen el tipo y aúpan a la banda como solvente creadora de hits, que en esta ocasión beben de la exuberancia del Hyperpop, de influencias asiáticas y en la que también son patentes trazas de psicodelia.

Una banda que quiere demostrar que ha ganado en madurez y profesionalidad y que, a pesar de que quizás ha pretendido abarcar demasiados estilos, ha vuelto a conseguir crear una nueva lista de canciones de alta calidad, aunque habiendo dejado de lado esa afortunada ligereza en la escucha y flechazo inmediato que los temas de su primer álbum conseguían.

Una metáfora sonora de lo que parece ser entrar en la vida adulta, con nuevas responsabilidades y preocupaciones, y que no deja de tener un cierto poso algo triste.

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Stromae, una de las voces más interesantes de los últimos tiempos, vuelve tras un demasiado largo parón de casi nueve años en el que apenas ha publicado nuevo material ni se ha prodigado en actuaciones.

El músico belga francófono alcanzó un, tal vez, inesperado éxito mundial, con una propuesta novedosa, que conseguía aunar muchos estilos de diversas partes del mundo en canciones tan bellas como pegadizas, totalmente apartadas de cualquier moda imperante, convirtiéndose en uno de los mejores representantes de las bondades de desenvolverse en un entorno multicultural.

La larga pausa hasta este nuevo trabajo no parece haber afectado a la capacidad creativa del autor, siempre curioso y ávido por enriquecer su estilo de diferentes ritmos y sonidos, consiguiendo de nuevo presentar un disco que es poco menos que una vuelta al mundo. En él podemos apreciar reminiscencias musicales de lugares tan diversos como Brasil, Turquía, China, Bulgaria o México tanto en sus ritmos como en el empleo de instrumentos, todo ello, bien asimilado y sin caer en efectismos pretenciosos pues, por encima de todo, estamos ante una lista de soberbias canciones, ricas en matices, melodías y letras, letras que vuelven a apelar a sentimientos universales, quizás una de las claves de lo global del éxito que Stromae ha tenido desde sus comienzos.

Contentos por tanto de la vuelta de uno de los grandes artistas surgidos de una Europa continental, algo languideciente en creatividad musical de un tiempo a esta parte ante el empuje y hegemonía de otros estilos provenientes de otras latitudes, con uno de los que serán álbumes más destacados de este año.

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Suelen aparecer una vez cada varios años. Álbumes que parecen dejar atrás el presente y que nos empujan al inicio de un futuro nuevo en el que todo vuelve a ser posible. Esa sensación parece apoderarse de todo aquel que escucha “El Tercer Cielo”, poderoso disco conceptual de diecisiete temas muy diversos temas en el que el productor electrónico Bronquio y la cantaora Rocío Márquez parecen haberse dejado cuerpo y alma en crear una fusión que transita por los diferentes palos del flamenco, sirviéndose de las posibilidades acústicas de la electrónica.

Hace algún tiempo, productor y cantaora ya dieron muestras de haber conseguido un sonido nuevo en una colaboración anterior y fue tras compartir diversas residencias artísticas, cuando surgió la posibilidad de conceptualizar aquello que tenían entre manos y trasladarlo a un espacio en el que ambos se sintieran identificados.

Se agotan los calificativos con los que describir este tesoro inabarcable que es “El Tercer Cielo”. Una muy cuidada producción en la que la voz de Márquez, libre, distorsionada, espectral, se eleva o difumina entre múltiples bases de electrónica que reinterpretan los ritmos electrónicos más industriales y que se entrelazan con taconeos, palmas y jaleos en una suerte de escapada hacia lugares nunca transitados y que ensalzan este trabajo hasta la categoría de acontecimiento dentro del panorama musical.

Mención aparte merecen las letras de cada tema que van desde la oralidad, hasta la poesía de grandes autores clásicos como García Lorca o Machado y contemporáneos como Luis García Montero o Carmen Camacho. Bellos poemas y estrofas que evocan lo popular, la fiesta y los rituales.

Un disco de una profunda belleza, áspera y visceral, llena de grietas y aristas, historia y verdad, fruto de la colaboración de dos artistas en estado de gracia que puede que hayan alcanzado la cima de su creatividad con este trabajo.

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O’Grady, muy influenciado por varios miembros de su familia a la hora por decantarse por la música como profesión, incluye notas de voz de varios de ellos como eje central que vertebra este «Still Slipping Vol. 1». Una apuesta que, en tiempos de restricciones y distancia social, podría considerarse una especie de recurso sentimentaloide, pero que solventa con grandes dosis de creatividad en cada uno de los temas.

Un disco con el que, una vez más, el productor pretende reinventar los estilos principales de la música electrónica destinada a la pista de baile. Y es que es el eclecticismo una de las características del músico, cualidad de la que impregna todo el álbum en temas que transitan con elegancia entre ritmos diversos, si bien el propio autor ha definido su trabajo como «un disco de soul», probablemente en alusión a la carga personal de la que ha impregnado el álbum.

Un trabajo que gana en músculo rítmico con respecto a buena parte de lo que hasta ahora ha sido el estilo del autor, influenciado quizás por la añoranza por los clubes de baile cerrados durante largos meses y que supone una puesta al día de prácticamente todos los estilos de baile que en las últimas décadas se han generado en Reino Unido.

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Este tiempo inédito de pandemia y distanciamiento social será, con toda seguridad, un nuevo filón en el que artistas de todas las disciplinas indagarán para generar sus nuevas obras. Buen ejemplo de ello puede ser el álbum “Actual Life (April 14 – December 17 2020)” de Fred Gibson, productor más conocido como Fred again…, quien, entre las fechas que en el nombre del disco figuran, fue dando forma a uno de los discos más interesantes de lo que llevamos de año y que probablemente mejor ha sabido describir el pulso vital de este año y medio largo de restricciones, soledad y aislamiento.

Canciones creadas de una forma muy original, que se van construyendo a partir de notas de voz y trozos de conversaciones de vídeo-llamadas realizadas durante los meses de confinamiento, que se repiten como mantras a lo largo de las mismas y que resumen ese sentir colectivo tan presente durante los primeros meses de pandemia, de incredulidad, tristeza, de animarse unos a otros y de esa extraña y algo amarga alegría de ver a amigos y seres queridos solo a través de pantallas.

Es difícil no empatizar y dejarse llevar por la melancolía al escuchar las canciones que conforman el disco, temas que van de la nostalgia por todo lo que de repente desapareció de nuestras vidas, a la euforia de saber que un día más va a ser un día menos y que, antes o después, todo acabará quedando atrás.

Su amplia experiencia como productor queda patente a lo largo de todo el trabajo en el que se resumen prácticamente todas las tendencias que la electrónica ha tenido en los últimos años, encontrándose resonancias e incluso remezclas de temas de nombre como Jamie xx, Bicep o Moderat.

En suma, un disco necesario y liberador, de resultado sobresaliente, tanto en la propuesta como en la ejecución.

“Actual Life (April 14 – December 17 2020)” Fred Again…8.99 Euros .mp3,  24.99 vinilo.

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Joshua Edelman, afamado músico de jazz, neoyorkino de nacimiento, pero que lleva media vida en Europa y asentado en Bizkaia desde el año 2010, presenta “Jazz for the Oceans”, trabajo que recoge la grabación del concierto que ofreció en el año 2017 en Bilbao.

Eclecticismo podría ser la palabra que mejor define este ‘Jazz For The Oceans’, trabajo que reúne músicos de ambas orillas del Atlántico para dar firma a un crisol musical que recoge temas en castellano, inglés y euskera y cuenta con colaboraciones de más de una docena de artistas vascos, cubanos y estadounidenses. Temas que nacen a partir del jazz más puro para ir tomando diferentes caminos durante el cual se cruzan ritmos latinos, folk vasco y música clásica, junto a sonidos que pretenden evocar el mar y los fondos submarinos. Un resumen perfecto de lo que la trayectoria vital ha sido durante las últimas décadas.

El activismo ecológico que Edelman profesa desde hace tiempo no es ajeno al álbum, pues todo él lanza un mensaje de concienciación hacia la defensa del medio ambiente en general y a los océanos en particular, que llama a perseverar en la conservación de su biodiversidad y recursos marinos y en los modos de vida tradicionales asociados a los mismos y a día de hoy amenazados.

Formado como músico en los ambientes jazzísticos de Manhattan, su estilo se ha ido nutriendo de las diversas influencias musicales de los lugares en los que ha vivido o visitado, siendo buen ejemplo de ello este álbum de carácter conceptual.

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Armand Hammer, el dúo estadounidense formado Billy Woods y Elucid, vuelven a la carga en su empeño en transitar nuevos caminos dentro del rap más experimental con su nuevo trabajo titulado “Haram”. Haram, término árabe que hace alusión a lo prohibido, se presenta cargado de simbología y sin apenas concesiones que no exijan una escucha con plena atención para desentrañar todo lo que en él atesora.

Referentes desde hace años dentro de la escena rap, vuelven a hacer uso de textos oscuros y complejas estructuras para confeccionar sus canciones, contando en esta ocasión con el prestigioso productor The Alchemist, otorgando al producto final una elegante colección de densas capas de sonidos y ritmos que acaban teniendo un efecto hipnótico durante buena parte del disco.

Disco que supone todo un reto para las emociones, empezando por su provocativa y repulsiva portada, pasando por la sensación claustrofóbica que sus ritmos repetitivos generan en varios de sus temas, hasta letras que no eluden muchos de los males que asolan a la sociedad estadounidense y a su población negra. Sin embargo, una belleza oculta va emergiendo escucha tras escucha y lo que se presentaba como algo crudo y sin concesiones, acaba deviniendo en un conjunto lleno de armonías complejas que van calando en la memoria del oyente.

Una apuesta arriesgada este laberinto de sonidos y rimas por momentos machaconas, más aún en estos tiempos en que la capacidad de atención del público parece ser menor que nunca, pero con todos los mimbres de las grandes obras que perduran en el tiempo.

“Haram”. Armand Hammer. 9.99 .mp3. 24.99 vinilo

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Llega “Las Montañas”, el segundo disco de una de las nuevas bandas españolas más prometedoras. Delaporte, dúo conformado por Sandra Delaporte y Sergio Salvi redoblan la apuesta por la electrónica en su segundo disco, apreciándose un salto adelante en su propuesta en todos los sentidos, si bien las referencias que se apreciaban en su disco anterior permanecen.

Elegantes canciones construidas a partir de sonidos electrónicos que, por momentos, recuerdan a los momentos más inspirados de bandas electrónicas como Moderat, junto con voces etéreas y bellamente distorsionadas, una clara influencia de James Blake, siendo las principales características que definen el estilo de la banda.

Liberados ya de los miedos y dudas que supone el disco de debut, la evolución en este segundo trabajo es patente, evolución que les ha llevado a ganar músculo creativo en cada uno de los temas y en los que se hace gala de letras más intimistas, ritmos más pausados y una mayor investigación en las sonoridades y timbres que adornan canciones más melancólicas y oscuras, pero que en ningún momento dejan de lado la belleza como su rasgo principal.

Disco que busca alejarse de tendencias musicales dominantes y sabe recoger y recombinar ritmos y tendencias pretéritas y que quizás por ello, perdure en el tiempo y se erija, en estos titubeantes inicios de década, como uno de los trabajos esenciales dentro del panorama musical electrónico español.

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El inmenso poder de la fotografía como documento insuperable para ilustrar un tiempo y un lugar, se despliega en esta colección de imágenes en blanco y negro en la que vemos, descrita en bellas escenas, la esencia de un modo de vida, casi ya desaparecido, en un barrio residencial cualquiera del medio Oeste americano. Imágenes que encienden la nostalgia colectiva a pesar de mostrar un tiempo y un lugar muy determinados, pues hablan de algo tan universal como la cotidianeidad de la vida en familia. 

Un trabajo de juventud en el que ya se atisba la especial habilidad del autor, afincado a día de hoy entre Bilbao y Berlín, para captar escenas cándidas y retratos, desde una mirada inocente, como de quien está jugando con la cámara, y que, a pesar de los años transcurridos, sigue tan presente en su fotografía. 

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La presentación de cuatro soberbios temas previos al lanzamiento de este “El regreso de Abba” apuntaba a que este no iba a ser un disco más de Sidonie, banda catalana conformada por los carismáticos Marc Ros, Axel Pi y Jesús Senra y que cuenta ya con una dilatada y sólida carrera dentro la música pop. Un disco que tuvo como antecedente la novela homónima publicada por Marc Ros, y que sirve de algún modo como complemento del mismo, si bien, tanto novela como disco pueden disfrutarse por separado.

“El regreso de Abba” suena optimista, fresco y rotundo. Adjetivos no muy usuales en bandas cuya carrera entra ya en la tercera década desde su formación y que da cuenta del músculo creativo y buen momento anímico del trío.

Nada menos que veintitrés nuevos temas que dan para conformar un disco doble y que pretenden ser un homenaje a la época dorada del rock. Un disco que a priori podría ser enfocado como un ejercicio de nostalgia por un tiempo que no volverá, se muestra, sin embargo, lleno de luz y buenas vibraciones, en el que se percibe también algo de vuelta a los orígenes en varios de los temas, regados de sonidos y ritmos psicodélicos que definieron su primera época y, como acostumbran, una especial maestría en componer pegadizos estribillos.

Un disco que parece ser un punto culminante en la carrera de Sidonie, en el que sus creadores se han vaciado del todo y que pudiera indicar que nos encontramos en un punto de inflexión en su trayectoria, a partir del cual comiencen a ampliar referentes, formas de trabajar o den rienda suelta a nuevas inquietudes. Pero de momento, disfrutemos de esta obra tan rotunda como luminosa.

“El regreso de Abba”, Sidonie. Mp3 10.99 Euros. CD 14.99 Euros. Vinilo 31.99 Euros.

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