Gabriel Aresti en tres palabras.
Euskaltzale, generoso y vehemente.

Una obra literaria que pueda resumir su estilo, inquietudes y temáticas tratadas a lo largo de su carrera.
Una sola no, Aresti fue poeta, cuentista, dramaturgo, articulista… En todas hay un poso común: la denuncia social. Y una suya se ha vuelto emblemática: Harri eta Herri. Pero ahí están también sus cuentos, menos conocidos.

Bilbao en los textos de Aresti, Aresti en las calles de Bilbao. ¿Mutua necesidad de hombre y ciudad que buscan su identidad?
Este libro muestra que Bilbao fue motivo central de su obra. Pero también es eco de quienes gozaron y sufrieron junto a él. Porque Gabriel Aresti, envuelto en el franquismo, conoció y denunció las bofetadas de la censura y, sobre todo, la indiferencia y el desprecio de algunos de sus coetáneos.

¿Pudo la censura domar en cierto modo su espíritu inconformista?
La censura no doma. Somete y obliga a hacer trampillas, y Aresti era indómito y poco tramposo, por eso resultaba polémico para unos y otros censores.
Los poemas de Aresti no están exentos de ideología. ¿Merma en su calidad literaria o es un valor añadido? Su poemario más conocido, Harri eta herri (Piedra y pueblo), de cuya edición se han cumplido 50 años hace poco, inauguraba un lenguaje nuevo en la poesía vasca.

Poemas en euskera para una ciudad mestiza y mayoritariamente castellanoparlante.
Es el lenguaje que requiere el tema también nuevo de la ciudad. De una ciudad poblada de aldeanos vascos y de emigrantes castellanos, convocados por el auge industrial a los alrededores de la ciudad, tan desarraigados los unos como los otros.

Por eso Aresti fue vanguardia.
Todo aquel que se mueve en la vanguardia recibe feos desde la retaguardia y Aresti, con su opción por la lengua unificada, por la poesía social, por su desprecio hacia un sector de la burguesía urbana y por el clericalismo cultural que se le hacía asfixiante, recibió aplausos de unos y abucheos de otros.
¿El euskera para Aresti, simple herramienta para su acto creativo o eje principal de su obra ejerciendo una arriesgada militancia por su mero uso?
Él fue un autodidacta en euskera, y en todo, un defensor a ultranza de un idioma vasco que sirviera a todos los euskaldunes, de una euskera que en Bilbao apenas se usaba. Y por eso Euskaltzaindia y sus inquietudes fueron también la fuente de sus desvelos y no muchos disgustos.

¿Qué queda hoy día de ese Bilbao descrito por Aresti?
Más allá del nombre de una calle, un paseo o un centro de enseñanza en su memoria, Aresti hizo visibles necesidades y desigualdades sociales que aún perviven, ocultas tras la monumentalidad del paisaje actual.

Bilbao, siglo XXI, ciudad amable y recubierta de modernidad, ¿crees que inspiraría a Aresti como lo hizo la ciudad gris e industrial de su época?

Se dejaría deslumbrar, pero también vería que aún quedan zonas grises. Y a lo mejor colgaría en Twitter y en Facebook sus aplausos y pataletas.

Aresti, estrella del firmamento euskaldún, ¿hay riesgo en que su nombre e imagen acabe pesando más que su obra misma?
Creo que está tan soldada su imagen a su obra, que es difícil. Y más teniendo en cuenta la fuerza de los euskaldunberris y de euskaltegis y asociaciones como a las que da nombre, nacidos para sostenerla y ensancharla.

Una biografía de Bilbao, Seve Calleja

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El escritor Mark Yarm nos da las claves para comprender mejor uno de los grandes acontecimientos culturales y sociales de finales del pasado siglo. La explosión del Grunge. Un esfuerzo hercúleo con forma de libro que pretende dar voz a todo aquel que tuvo algo que ver con ese fenómeno global que tuvo su origen en la ciudad de Seattle.

600 páginas y más de 250 entrevistas, ¿Podría decirse que este “Todo el mundo adora nuestra ciudad…» es el libro definitivo sobre la historia del Grunge?

No me siento muy a gusto con la palabra «definitivo», ¡pero en verdad que sí que es exhaustivo! Definitivamente bucea profundamente en el tema que se trata. Este es un libro sobre Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains, sí, pero trata también sobre otras bandas más pequeñas y menos conocidas como los U-Men, Melvins, Mudhoney, TAD, 7 Year Bitch y muchas, muchas más.

Las canciones de estilo Grunge solían ser tristes, oscuras y pesimistas las más de las veces. Sin embargo parece que aquellos años en Seattle fueron especialmente excitantes, ¿Es que a nadie le apetecía componer canciones luminosas y optimistas?

Incluso a pesar de que la música fuera oscura y las bandas tendían a no sonreír en las ruedas de prensa y sesiones de fotos, los miembros de la escena Grunge de Seattle eran, y todavía son, gente extremadamente divertida. Hay There’s a misconception that everybody in the Seattle scene was a miserable bastard. I mean, Nirvana fue un grupo divertido: «A mulatto/An albino/A mosquito/My libido» son letras tan absurdas. Como me dijo Dale Crover de la banda Melvins: «Ese es el mayor mito de todos: Kurt Cobain, el artista atormentado. La gente no se da cuenta de que aquel tipo era condenadamente divertido».

¿Qué sucedió en Seattle a finales de los años 80 que no sucediera en el resto de ciudades para que acabara convirtiéndose en el centro del universo de la música pop? ¿Fue una simple coincidencia que tantas bandas a la vez crearan un sonido tan nuevo e increíble o es que esta ciudad, a la que todo el mundo adora, tiene algo especial que no puede encontrarse en ningún otro sitio?

Seattle estaba geográficamente aislada por aquel entonces. No era la ciudad cosmopolita y bulliciosa de hoy día y que todo el mundo conoce. En muchas ocasiones, las giras de las grandes bandas no incluían a Seattle simplemente porque estaba demasiado lejos. Así que los músicos de Seattle tuvieron que buscarse su forma de divertirse y de crear su propia escena. Y consiguieron pulir su sonido sin prestar mucha atención a lo que hubiera fuera. No era como el mundo de hoy tan interconectado, en el que puedes grabar una canción en una tarde y compartirlo con el mundo entero cinco minutos más tarde.

¿Fue el estilo Grunge el último gran movimiento acaecido en el mundo de la música? Aquella revolución musical sucedió hace más de veinte años y nada similar ha sucedido desde entonces. Sí han nacido nuevos estilos musicales pero la única revolución con respecto a la música en todo este tiempo tiene más que ver con la forma en que su forma de escucharla ha cambiado que con la eclosión de un acto creativo que haya conseguido sacudir a una generación entera.
Ha habido desde entonces notables movimientos musicales: el Britpop, el movimiento Emo, la música electrónica de baile, por nombrar solo unos pocos. Pero estoy de acuerdo; el ascenso del Grunge fue algo así como un salto generacional. La cultura de hoy en día está tan fracturada… no estoy seguro de que pueda volver a crearse un movimiento tan grande e influyente ¿Pero quién sabe? Podríamos estar ante una gran sorpresa.

“Todo el mundo adora nuestra ciudad. Una historia oral del Grunge” Mark Yarm.

Editorial Es Pop Ediciones, 592 páginas, 26 Euros.

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Una de las incorporaciones más sonadas de la próxima edición del BBK Live de Bilbao es la del grupo Tame Impala, quienes hace unos meses presentaban el que quizás ha sido el mejor disco del pasado 2015.

Y es que este «Currents» llega además en el momento crítico de toda banda, la presentación de su tercer trabajo, cuando puede comprobarse si una banda ha mostrado ya todo lo que tenía que aportar a la música o si sabe evolucionar hacia nuevas propuestas, y desde luego los australianos han pasado con creces la prueba.

Tras sus inicios dentro de la psicodelia, han ido dando forma a un estilo cada vez más alejado de caminos demasiado trillados y que se acerca más a lo que debería ser una banda de pop en la actualidad.

Letras extrañas, que cantan al desamor y anuncian cambios, voces etéreas y algo lisérgicas y un inteligente y efectivo uso de las posibilidades de la electrónica aplicadas a una formación clásica de grupo pop, dan como resultado una interesante propuesta, en la que se consigue compilar una buena colección de grandes canciones elegantemente revestidas de todo tipo de texturas y timbres.

Un disco, bien es cierto, que ha generado no poco revuelo entre muchos de sus seguidores y no pocos críticos, algo descolocados ante la escucha de algo muy alejado de los álbumes anteriores de la banda. Sucedió en 1991 con el «Achtung baby» de U2 o en 2000 con «Kid A» de Radiohead, discos arriesgados que se vieron envueltos en la polémica por el giro copernicano de sus propuestas y que el tiempo los encumbró como sendas obras de arte.

Se puede decir por tanto, que Tame Impala ha sabido dar un salto creativo en la buena dirección haciendo un disco llamado a perdurar.

«Currents», Tame Impala (2015)

Interscope/Fiction/Caroline International

8,99 Euros MP3

11,59 Euros CD

23,51 Vinilo

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Inés Bengoa se sube a los escenarios para presentarnos un sugerente espectáculo titulado “Escalofrío, cuentos eróticos”. Hablamos con ella para saber la gestación del proyecto y los pormenores del mismo.

Cuentacuentos, monologuista, narradora oral, actriz… ¿qué término crees más acertado para describir tu trabajo?

Me dedico a contar historias con las herramientas que he ido encontrando en el camino. Me formé como periodista y como actriz, ¿qué soy ahora? Contadora de historias. Cuerpo, voz y emoción.

«Escalofrío, cuentos eróticos» es uno de tus espectáculos. Cuéntanos cómo surgió la idea de crear algo exclusivamente para un público adulto y los retos o dificultades a los que has debido hacer frente para sacarlo adelante.

Escalofrío surge de una necesidad personal por contar historias eróticas que tuvieran algo que ver conmigo. Cuando creo una sesión nueva leo mucho, busco historias populares, de autor…y enseguida me di cuenta de que iba a llevarme mucho tiempo encontrar algo que mereciera la pena ser contado. El erotismo es algo que está muy presente en nuestra sociedad: en películas, revistas, publicidad, canciones, chistes…pero casi siempre se presenta de forma estereotipada, todo son tópicos, roles…En definitiva, tuve que rascar mucho para encontrar algo que me resultara atractivo. Por fin hice una selección de historias populares, de distintas épocas y tradiciones, y de algunos autores, que he adaptado a mi particular forma de entender y vivir el sexo. Porque si algo he sacado en claro de este viaje es que el erotismo es algo muy personal. En mi caso, me gusta aderezarlo con humor, una pizca de ironía, alguna sorpresa y, por supuesto, mucha pasión. A todo esto hay que añadirle un segundo lenguaje, el de la música, que está presente en el espectáculo de la mano de Iosu Lizarraga y su acordeón. Todo un deleite para los sentidos.

Los cuentos que conforman la función provienen de diferentes épocas y culturas, ¿has encontrado grandes diferencias sobre la forma en que se ha abordado el erotismo dependiendo del tiempo y el lugar o la percepción que del mismo se tiene es más bien universal?

La aproximación hacia lo erótico me ha parecido muy similar en todas las épocas y culturas. En todas he encontrado esa sensación de intriga hacia lo desconocido, de interés en aproximarse hacia el otro, de deseo por acercarse y conocerse sexualmente. Pienso que el erotismo, la sexualidad, es un tema que mueve al ser humano de forma universal.

Son tiempos de extrema corrección política en la que un simple acto artístico puede incluso ocasionar problemas con la autoridad, ¿es una preocupación añadida a la hora de subirse al escenario?

Lo políticamente correcto está aniquilando la expresión artística. Pienso que es precisamente lo artístico lo que nos permite desarrollar un pensamiento autónomo y crítico. En verdad me parece preocupante que tengamos que medir lo que hacemos o decimos por temor a molestar a alguien. Creo que para gustos están los colores.

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El escritor Héctor Sánchez y el ilustrador David Sánchez unen fuerzas en este trabajo titulado “Paul está muerto” en el que dan cuenta de las leyendas urbanas más difundidas sobre diversos ídolos musicales.

Cuéntanos cómo surge la idea de un libro así. Suena aventurado hacer un libro en papel a partir de unos textos ya publicados en la web.

La idea del libro era recopilar una selección de mis artículos, los que contaran las historias más interesantes o en los que aparecieran los protagonistas más populares, y acompañarlos de las ilustraciones de David Sánchez, que son un gran valor añadido. La desaparición de los libros en papel es una de las grandes leyendas urbanas de los últimos años y es genial que editoriales como Errata Naturae apuesten por este formato. Además, en el libro, los textos están ordenados cronológicamente de tal manera que funcione como una historia del rock. Al fin y al cabo, utilizo las leyendas urbanas como excusa para contar la grabación de un disco en concreto, la composición de una canción o la situación de un grupo en momento determinado de su carrera.

El mundo del Rock y la música popular, tan dado tanto a la mitología como a los excesos de sus protagonistas, se topa con las leyendas urbanas. El encuentro parecía inevitable.

Hay leyendas urbanas en todos los ámbitos y de todas las temáticas, así que el rock no iba a ser menos. Por supuesto, el carácter de los músicos y todo lo que les rodea alimentan estas leyendas. Si añadimos varios tópicos, muchas veces inseparables, como pueden ser el sexo, el alcohol, las drogas o las propias excentricidades de las estrellas, el resultado es un cóctel explosivo. Por otro lado, hay mucha gente interesada en encontrar teorías conspiranoicas por todas partes y también sectores que tratan de demonizar a estos personajes o su estilo de vida. Aunque, en ocasiones, son los propios músicos quienes fomentan estas historias para conseguir campañas de publicidad muy efectivas.

Las ilustraciones de David Sánchez son una parte esencial del libro, casi consiguen resumir en una sola imagen cada una de las historias.

El trabajo de David es impresionante y sin sus ilustraciones el libro no hubiera sido el mismo. No vi el resultado hasta poco antes de que se publicara y quedé muy sorprendido. La verdad es que resumen muy bien la historia y algunas de ellas tienen un toque de humor muy acorde con el contenido del capítulo. Me gusta documentarme mucho para escribir cada historia, pero para no saturar con tanta información o datos, intento darle un toque irónico y divertido a los textos. David ha captado y ha transmitido ese humor con sus ilustraciones y son un complemento estupendo. Estoy muy satisfecho de haber colaborado con él. Además, el hecho de que tengamos el mismo apellido también ha servido para fomentar nuestra propia leyenda urbana: ¿existe algún parentesco entre el autor y el ilustrador?

La irrupción de las redes sociales en la que las estrellas de la música nos cuentan cómo viven producen una sensación de «cercanía» que puede acabar con esa aura de pseudo-divinidad.

Las redes sociales pueden fomentar esa sensación, pero antes de la era de Internet, precisamente eran las leyendas urbanas lo que podía acercarnos a ellos. Las leyendas urbanas son la típica conversación de barra de bar en la que puedes hablar de Mick Jagger, Paul McCartney o Elvis Presley como si los conocieras de toda la vida. Otra cosa es que estas historias sean verdad o no. Y de eso trata el libro, de ver qué parte de realidad tienen estas mentiras.

¿Hay alguna leyenda urbana referida a músicos de Rock que puedas considerar tu favorita? ¿Podrías decirnos por qué?

Me cuesta mucho decidirme. Es cierto que la que da el título al libro puede ser la más completa: una muerte, una sustitución de identidad, una conspiración, canciones que se escuchan al revés, pistas en las portadas de los discos… También suelo recomendar que se vea El Mago de Oz escuchando The Dark Side of the Moon ya que es una experiencia audiovisual muy interesante. Las de Michael Jackson me parecen muy divertidas porque muestran la evolución de Jackson como personaje mediático. El bocadillo de jamón de Mama Cass me parece de lo más humillante y el incidente del tiburón de Led Zeppelin es una salvajada que demuestra el carácter del rock llevado al extremo. Creo que no puedo quedarme sólo con una y, como siga así, voy a acabar diciéndote todo el índice.

“Paul está muerto y otras leyendas urbanas del Rock” Ed. Errata Naturae. 224 páginas, 19,90 euros.

Entrevistada realizada por correo electrónico a mediados de noviembre y publicada en AUX Magazine (www.auxmagazine.com)

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Javi Julio, periodista freelance y miembro del colectivo Nervio Foto, nos muestra una pequeña historia de superación acaecida en uno de los mayores campos de refugiados del mundo.

En este momento te encuentras en la isla de Lesbos cubriendo la crisis de refugiados que tratan de llegar a Europa. Imagino que las cosas no serán nada fáciles por allí.

Pues imagínate que tras llevar semanas huyendo de una guerra en Irak, Siria o Afganistán, tienen que enfrentarse a las mafias en las costas turcas, donde por alrededor de 1.500€ consiguen un pasaje en una pequeña barca, en la que con otras 50 personas más, intentarán cruzar esos 6km que les separan de Grecia. Se juegan la vida. Llegan bebés, niños, mujeres, hombres de todas las edades. A muchos les roban una vez se suben a la barca. Las “clases” para aprender a manejar el motor son a punta de pistola y duran varios segundos. Luego comienza el viaje. Los precios varían con la situación del tiempo: si hace mala mar y es de noche es más barato. Si el mar esta calmado y hay sol, más caro. Al llegar al otro lado, excepto algunos voluntarios, no hay nadie para ayudar. Cuando el mar mueve los cadáveres de los que no lo han conseguido a las playas, son los propios voluntarios o periodistas quienes los recogen. No hay rastro de autoridades griegas.
Y sólo es el primer paso hacia Europa. Después a algunos les esperan las colas o dormir al raso en el campamento de refugiados de Moria, donde las aguas fecales se mezclan con el barro los días de lluvia, o donde tan sólo tienen una comida asegurada. Todo ello protegido por los antidisturbios griegos. Es la vergüenza de esa Europa que en 2012 recibió el Nobel de la Paz y ahora juega con números y cuotas de refugiados.

¿Cómo surge la idea de este documental? No es lo que a priori uno puede esperar encontrarse en un campamento de refugiados en la frontera jordana.

Estuvimos un mes trabajando el tema de los refugiados en Jordania. Zaatari es el segundo mayor campo de refugiados del mundo. Durante esas fechas no paraban de salir noticias negativas sobre el campo: que si había prostitución, drogas… ¿En qué población de 90.000 personas no existen ese tipo de cosas? Junto con Laila Muharran, periodista española que vive en Amman, y Daniel Rivas, el plumilla con el que hice el viaje, queríamos contar otro tipo de historias sobre refugiados, más luminosas, en positivo. Llegamos a la escuela de Taekwondo para hacer una nota para Berria y nos acabamos quedando una semana para grabar el corto.
El deporte como fuente de evasión, de valores como la disciplina o el respeto por uno mismo y por los demás. Ideas que parecen bastante alejadas de la imagen que los medios de comunicación proyectan hoy día del deporte de alta competición.

La idea surgió de un coreano que lleva años viviendo en Oriente Medio. Había sido junto a su mujer escudo humano en un hospital en Gaza. Cuando Israel le expulsó, llegó a Zaatari, vio la situación de los niños, que componen la mitad de la población del campamento, y pensó en el deporte como método de trabajo para “recuperarlos” tras haber sufrido las consecuencias de una guerra. Autoestima, respeto por los demás, autoconfianza, son los valores que buscan con este arte marcial. Y vaya si lo consiguen. Muchos niños llegan “perdidos” al entrenamiento, pero al cabo de unos días, su actitud cambia.
A pesar de la difícil situación de los protagonistas, uno no puede dejar de sentirse algo reconfortado tras el visionado del documental. ¿Queda, a pesar de tantos conflictos y penalidades, un resquicio para la esperanza?

En estas situaciones, las personas somos capaces de lo mejor y de lo peor. Sin ignorar las otras historias, yo prefiero hacer foco en las que dan algo de esperanza.

«El Taekwondo de la resistencia».

Cortometraje dirigido por Javi Julio.

Guion de Laila Muharram Rey y Daniel Rivas Pacheco.

Una producción de Nervio Foto.

Año 2015

www.javijulio.com
www.nerviofoto.com
Entrevista realizada por mail a principios del mes de noviembre de 2015 y publicada en AUX Magazine, www.auxmagazine.com

 

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El músico Jean Michel Jarre, uno de los pioneros y figura destacada dentro de la historia de la música electrónica, vuelve con un ambicioso álbum que se publicará en dos entregas espaciadas en varios meses, bajo el nombre de «Electronica. The Time Machine». Disco que consigue reunir como colaboradores a una enorme lista de autores que dentro del género de la electrónica han contribuido a desarrollar el mismo durante las últimas cuatro décadas.

Un proyecto gestado durante cinco años y que pretende ser un homenaje a la obra del artista francés por parte de músicos y bandas que, de una u otra manera, encontraron inspiración en él a la hora de crear sus composiciones.

La lista no puede ser más heterogénea y abarca casi todos los estilos y subestilos que la música electrónica ha dado. Desde la más cercana al pop de mano de cantantes como Moby o grupos como M83 o Air a referentes de la escena Rave como Armin van Buuren, intentando incluso mezclar sonidos electrónicos con música clásica junto al mediático pianista chino Lang Lang, territorios ya explorados con anterioridad, probablemente con mayor acierto, por otro pianista de formación clásica, Franceso Tristano.

Si bien la trayectoria musical de Jarre puede darse por amortizada desde hace años, la expectación creada ante un disco como este ha derivado en decepción. Si bien hay algún acierto y, por ejemplo, los temas creados junto a sus coetáneos Tangerine Dream o al director de cine y compositor John Carpenter pueden ser rescatados del flojo tono general del disco, buena parte de las colaboraciones suenan más como temas descartados de sus autores que como algo memorable fruto de la unión de dos genios musicales.

Un album desigual en suma, que no cumple las expectativas creadas habida cuenta del esfuerzo realizado en coordinar a semejante plantel de colaboradores y muy por debajo de las cotas de creatividad obtenidas por el músico francés en el momento álgido de su carrera, allá por las décadas de los 70 y 80, cuando aquel estilo creado a base de sonidos de electrónica analógica y melodías pegadizas, que parecían llegados de mundos lejanos y futuros imprecisos, asombró al mundo, creando un estilo nuevo que era imposible de ser encuadrado ni en el pop anglosajón ni en la electrónica alemana, pero que no obstante, servirá para reivindicar la figura de Jarre ante las nuevas generaciones como la de uno de los grandes innovadores de la historia de la música, abriendo caminos que han marcado buena parte de los estilos que fueron sucediéndose años después. Ojalá el resultado del segundo volumen de este trabajo, previsto para 2016, y en el que volverá a contar con una impresionante lista de colaboradores, mejore las sensaciones que este primer volumen genera tras varias escuchas.

«Electronica: The Time Machine», Jean Michel Jarre. Columbia Records.

10,99 Euros mp3; 14,99 Euros CD; 20,99Euros vinilo.

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Desde hace ya muchos años, el verano en Euskadi suena a Jazz. Los festivales que por toda la geografía vasca se celebran durante esta estación, suponen una oferta casi insuperable para los aficionados al género, en la que nuevos talentos comparten escenario con artistas ya consagrados. Uno de estos últimos, el bajista Stanley Clarke, actuará en la próxima edición del Festival de Jazz de Getxo. En esta entrevista nos describe lo que podremos ver en su concierto y reflexiona sobre el futuro del Jazz, un género que en su opinión, nunca morirá.

Buena parte de la gente que  acudirá a tu concierto en el Festival de Jazz de Getxo disfrutará de tu música por primera vez en su vida, ¿podrías explicarles con qué se van a encontrar?

He estado durante muchos años promocionando la mejor música instrumental. Mi nueva banda es un grupo al que considero el mejor conjunto de músicos jóvenes de la actualidad. Todos ellos tienen una pureza técnica extraordinaria con sus instrumentos, pero también comprenden que para que el público pueda disfrutar de una buena actuación, el eje principal ha de ser el amor del músico por la música y por lo que interpreta. Este ingrediente es esencial.

El bajo es tu instrumento. Una especie de prolongación de tu propio cuerpo mediante el cual te expresas, ¿es suficiente una técnica perfecta como la tuya para «extraer» al instrumento todo su potencial o se compone de algo más que no puede ser enseñado?

La técnica por supuesto es muy importante para un músico instrumental, porque le da al músico la capacidad de llevar su instrumento libremente en cualquier dirección. Sin embargo, la parte más importante de la música es la creatividad, la cual emana directamente del artista. Puedes tener toda la técnica del mundo, pero si no tienes la habilidad o el deseo de ser creativo, la técnica no sirve de nada… es, solo técnica.

Has tocado música durante más de cuarenta años. Durante todo ese tiempo, una generación entera de artistas ha llegado al mundo del Jazz. ¿Tienes algún bajista joven favorito?

Sí, unos cuantos. Por ejemplo Miles Moseley, Christian Galvez, Steven Bruner, conocido artísticamente como  Thundercat o el francés Hadrien Feraud.

El Jazz fue uno de los estilos musicales más importantes del siglo 20, ¿qué nos deparará el siglo 21? ¿sobrevivirá el Jazz? ¿Evolucionará hasta convertirse en algo completamente diferente  a lo que conocemos hoy en día?

La pregunta sobre la supervivencia del Jazz lleva haciéndose de forma ininterrumpida desde la década de los años 60. El Jazz es algo que nunca morirá. Es un término indefinido que significa diferentes cosas segúna quién se lo preguntes. A medida que han pasado los años, el término “Jazz” se ha ido transformando en algo así como en una metáfora.
El Jazz como género se creó a partir del uso o de la mezcla de muchos tipos diferentes de música. Y además, otros tipos de música también se han visto influenciados por el Jazz. El género está tan bien atrincherado en el tejido de todas las sociedades musicales que es imposible que acabe muriendo. Cambia cada día ante nuestros ojos si lo observas desde un punto de vista global.

 Entrevista publicada en la revista AUX Magazine en verano de 2015

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Una de las más agradables sorpresas del pasado Festival BBK Live celebrado en Bilbao el pasado julio, fue la actuación de madrugada del grupo británico Disclosure, grupo que presenta en estos días su segundo larga duración de título «Caracal«.

Disclosure, dúo de música electrónica formado por los hermanos Howard y Guy Lawrence debutaron hace ya tres años de forma contundente con un primer disco que les aupó de inmediato a lo más alto de las listas y popularidad. Un inicio artístico soñado por dos chavales londinenses que apenas contaban veinte años y que conseguían condensar en un solo álbum un puñado de canciones de elegantes estructuras pop con cuidados sonidos electrónicos y llamadas a reinar en las pistas de baile de medio mundo. Un inicio sorprendente, tanto por la calidad de las composiciones como por la lista de colaboradores que pusieron voz a las mismas, pero sobre todo por el fulgurante éxito y repercusión obtenido, algo que quizás hizo despreciar las cualidades del grupo a parte de cierta prensa especializada la cual no acaba de entender que éxito masivo y calidad musical no son ni mucho menos cosas incompatibles.

Aún sin quitarse de encima el término algo despectivo de grupo «comercial» y ya enrolados en una gira que los llevará a atravesar Estados Unidos para, probablemente, repetir el éxito ya conseguido en sus conciertos europeos, aparece este «Caracal» como un ambicioso trabajo en el que vuelven a conformar una lista de colaboradores impresionante y que parece de alguna manera endurecer los ritmos de baile ya presentes en su primer disco, alejándose un poco de la candidez pop de anteriores canciones, aunque, eso sí, sin perder en ningún momento la importancia de las voces, de esencia marcadamente soul las más de las veces, como soporte principal en sus composiciones.

Un salto cualitativo por tanto hacia territorios más cercanos a los ritmos de baile y que ponen a este grupo como uno de los principales soportes de lo que algunos han llamado Electro Soul, y que deja la agradable sensación, vista la evolución del grupo, de que lo mejor aún está por llegar.

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The Chemical Brothers, una de las bandas más influyente e innovadora de la década de los 90, vuelve en este 2015 con nuevo trabajo bajo el brazo, el número ocho de su discografía.

Este dúo, casi desde sus inicios artísticos, fue el máximo exponente de lo que se llamó Big Beat y quizás los únicos que a día de hoy no han caído en el olvido dentro de ese movimiento. Un estilo que supo reunir lo mejor de los ritmos Acid, Electro y Hip-hop en una explosiva y efectiva mezcla destinada a la pista de baile, pero que acabó desembarcando en los grandes conciertos de estadios y que consiguió el hito de llevar la música electrónica de la pista de baile a la épica de los festivales multitudinarios.

Tras la escucha del adelanto de varios temas del disco parece concluirse que se retoman los ritmos y formas de hacer de la mayor parte de su carrera, interrumpidos en su larga duración anterior «Further» (2010), es decir, colaboraciones de figuras de postín en canciones de ritmos inmisericordes. Un ejercicio de sinceridad ese de contar en letras y voces con grandes figuras del panorama musical, pues siempre se han mostrado conscientes de sus limitaciones como compositores y cantantes, concentrándose en la faceta en la que siempre han sido únicos e insuperables, en crear ritmos y melodías que consiguen poner a bailar a miles y miles de personas.

Pasados ya los años de aquella electrónica para las masas que dominó el final del siglo veinte, The Chemical Brothers supieron labrarse una continuidad sostenida en el tiempo evolucionando hacia nuevas formas y estilos, siempre variando de forma lenta y de un modo natural su estilo, aunque nunca apartándose demasiado de los gustos de su público fiel y multitudinario.

Las tibias primeras críticas aparecidas tras la presentación de los primeros singles del álbum, parecen haber sido compensadas con las crónicas de los primeros conciertos de su gira de presentación, las cuales hablan de una fascinación colectiva ante un espectáculo de luz y sonido insuperable. Es posible que la propuesta de The Chemical Brothers ya no suene novedosa pasados veinte años de sus inicios musicales, aunque queda fuera de toda duda su dilatada y prestigiosa trayectoria en la que el grupo ha ido lanzando al mundo multitud de canciones que casi desde el principio han derivado en himnos generacionales, consiguiendo marcar una época en la forma tanto de hacer como de escuchar música.

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Este «Vulnicura» con el que vuelve la cantante islandesa, significa una especie de vuelta atrás en las ideas desarrolladas a mitad de la década de los noventa, alejándose de sus dos anteriores discos en los que llevó la experimentación en sonidos y melodías quizás demasiado lejos con algo decepcionantes resultados y con claras referencias a su disco de 1997 «Homogenic» en planteamientos y arreglos.

Un disco gestado en palabras de la cantante islandesa desde el trauma producido por su reciente rotura sentimental con quien fuera su marido y en el que parece haberlo volcado todo y no haberse dejado nada, exponiendo sus sentimientos más íntimos ante el mundo en letras descarnadas que se desarrollan en largos temas adornados de sonidos de cuerdas, violines principalmente y elementos electrónicos.

La producción del músico venezolano Arca, cada vez más presente en el trabajo de Björk, en buena parte de las canciones es uno de los puntos fuertes del álbum, el cual cuenta además con numerosas colaboraciones de músicos diversos que redondean el resultado final con una gran variedad de estilos y propuestas.

Una cierta vuelta a los orígenes de Björk con un disco que recupera el carácter más sincero y terrenal de la artista y con el dolor como principal elemento catártico de su proceso creativo.

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1. Desde el punto de vista de historiador que eres, una pregunta directa, ¿son Los Suaves la mejor banda de rock en castellano de la historia?

Si, con mucho

2. Inicios de los años 80 y Los Suaves como teloneros de The Ramones. Eso es empezar pisando fuerte en el escenario.

Eso es estar en el sitio adecuado, en el momento justo y a la hora exacta, o sea mucha suerte. Y naturalmente después dejar a la gente alucinada.

3. La voz inconfundible de Yosi, muchas guitarras y ningún teclado, ¿alguna otra característica que hiciera del grupo algo nuevo y no visto con anterioridad?

Letras maravillosas en el mundo del rock con las que la gente se identificaba y temas que se quedaban en tu cabeza durante días. También energía y corazón en cada concierto.

4. ¿Supieron Los Suaves conllevar la fama y el éxito que el grupo fue paulatinamente adquiriendo?

Si, sin ningún problema. Charli aún sigue pidiendo autógrafos a los músicos que le gustan y sigue viviendo en la misma calle en la que vivíamos con nuestros padres. Yosi y los demás otro tanto de lo mismo. ¡Vamos a ver! Los Suaves todavía se siguen sorprendiendo de ser Los Suaves

5. A pesar de la enorme popularidad sostenida en el tiempo, Los Suaves no se han prodigado demasiado en los medios de comunicación, ¿Desinterés mutuo tal vez?

Bueno, Los Suaves nunca han salido de Galicia y no se han ido a vivir y hacer las américas en Madrid. No han hecho amistad con la prensa tomando copas en los locales de moda madrileños, etc. Eso tiene como consecuencia que siempre ha habido un poco de abandono por parte de los medios de comunicación con más influencia en el Estado.

6. ¿Ha sido la libertad la consigna máxima de Los Suaves?

Yosi, Charli y la mayoría de la gente que hemos estado en el grupo, siempre hemos vivido como hemos querido. A Yosi es científicamente imposible que se le imponga algo tanto musical como personalmente. Si eso es ser libre pues entonces mi respuesta a la pregunta es si.

7. «¿Hay alguien ahí?» es posiblemente el disco más valorado de la trayectoria del grupo. Un disco grabado en directo…

Que es una obra maestra. En él está toda la fuerza y todo el corazón con el que Los Suaves han estado siempre sobre un escenario. ¡Por dios!, si ya solo con el comienzo, cuando sonando la fanfarria de Liszt, Yosi dice por dos veces ¿Hay alguien ahí?, el disco ya es una genialidad.

8. ¿Crees afortunada la comparación con los Rolling Stones por las dilatadas trayectorias de ambas formaciones?

Si es por los años, los Rolling llevan más tiempo. Por lo demás lo único en común es que tocaron juntos en Santiago de Compostela. Que conste que a mí me gustaban los Rolling.

9. ¿Con qué momento te quedarías de toda la historia de la banda?

Con todos, pero si tengo que elegir, con los comienzos al principio cuando yo tocaba porque me/nos lo pasábamos de puta madre y con la primera mitad de los años noventa cuando el grupo alcanzó la madurez total, tanto con las letras como con la música.

10. Este cuestionario se ha realizado a partir de ideas y comentarios aportados por seguidores del grupo, para los cuales has reservado un capítulo del libro «Mi Casa es el Rock and Roll«, ¿te gustaría a ti preguntarles algo?

Si. Me gustaría preguntarles: ¿Por qué queréis tanto a Los Suaves?

11. ¿Crees que habéis influenciado a alguna otra banda? ¿Puedes citarnos algún grupo que creas que siguen los pasos de Los Suaves a día de hoy?

Los Suaves son únicos e irrepetibles lo cual no excluye que su influjo ha sido muy importante en el mundo del rock español. Ahora mismo sin tener una influencia determinante hay un grupo en Pontevedra que se llaman ¡Qué Desilusión! que son muy buenos y están en una onda parecida. La verdad es que son muy buenos.

“Mi Casa es el Rock and Roll” Ed. Xerais. 432 páginas, 24’95 Euros

Entrevista publicada en el número 73 de la revista AUX Magazine (www.auxmagazine.com)

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El escritor y periodista Eduardo Rodrigálvarez presenta el libro “Un soviético en la Catedral”, trabajo que hace un repaso novelado sobre los convulsos años 80 en Bizkaia, tiempos complicados para todos pero en los que toda la épica que puede generar el rey de los deportes se concentraba en los triunfos del Athletic de Bilbao.

¿Se puede considerar «Un soviético en la Catedral» una novela histórica? Si bien la acción transcurre hace no muchos años, bien es cierto que la situación actual es totalmente distinta a la época en la que la trama se desarrolla.
En puridad, no se trata de una novela, sino de un repaso histórico de sentimientos, reflexiones, personajes que acaban conformando la relación del autor con un club de fútbol singular como es el Athletic. En ese sentido, me parecía interesante mezclar las inquietudes políticas del autor, en aquellos tiempos, con algo tan liviano ideológicamente como es el fútbol. Cómo un prosoviético de la época podía convivir con una fe futbolística. Evidentemente todo ha cambiado: el país, la ciudad, el autor, pero tampoco demasiado. Lo único que permanece inmutable es el Athletic. ¡Qué paradoja!

¿Cuáles son las principales dificultades a las que te has enfrentado a la hora de escribir la novela? ¿Difiere mucho el método de trabajo con respecto a la elaboración de la crónica deportiva?
Hay mucha historia latente en Bilbao, en Euskadi, en el Athletic y en el autor como para condensarlas en un pequeño libro. Y condensar siempre supone un riesgo de eliminar asuntos fundamentales por impericia, olvido o vaya usted a saber… Desde luego, poco tiene que ver con una crónica deportiva necesariamente ceñida a un momento concreto. Pero una crónica yo la concibo como un micro relato donde se puede palpar la literatura, las sensaciones y la historia. Al menos acariciarlas según la capacidad de cada cual. El estilo de la crónica, como el del fútbol, no se negocia. Lo bueno es que la crónica lleva siempre aparejada una ficha donde figuran los protagonistas, lo sucedido de una forma rotunda y sucinta. El resto es el territorio del autor y su diálogo mudo con el lector.

El fútbol se ha profesionalizado hasta límites insospechados, Bilbao ha resurgido de su decadencia convirtiéndose en una bonita ciudad en la que la vida es quizás más anodina que la de entonces, el Athletic ha estrenado recientemente un nuevo y moderno estadio,… quizás no sean estos los mejores ingredientes para crear literatura, ¿Ha habido sin embargo algún hecho o figura relevante en el entorno rojiblanco de los últimos años que diera para una buena historia?
En realidad la literatura está en las personas, más que en los escenarios. Se puede hacer buena novela negra en Noruega y en Grecia, en Estocolmo y en Zeanuri. Cierto que aquel Bilbao sombrío, aparentemente, era más proclive a la introversión, pero este Bilbao aparentemente más florido es tan válido como el otro. En el Athletic ha habido muchos personajes que daban para miles de historias, pero creo que el personaje principal para una buena historia del Athletic y de Bilbao es el viejo San Mamés. Allí han latido miles y miles de historias. San Mamés es el personaje ideal para lo que uno quiera: para la novela negra, futbolística, histórica, humorística, para un ensayo sociológico, para un libro de fotografías. Me decía Enrique Castro «Quini», el famoso ex futbolista, que él sabía que estaba en Bilbao cuando veía el arco. Si no lo veía, no había llegado aunque estuviera dentro de la ciudad.
La inmediatez de las redes sociales, la precarización en general del mercado laboral y en especial de la profesión de periodista, la aparición del sensacionalismo en el periodismo deportivo, ¿se corre el riesgo de perder la calidad literaria de las crónicas de antaño?

El periodismo siempre ha estado en riesgo y siempre lo estará. No sé si ahora lo está en mayor medida. De todas formas, hay dos cosas que me preocupan en el periodismo deportivo: una, la tendencia cada vez mayor a hacer periodismo de club, es decir, periodismo para defender a un club. Otra, más que el sensacionalismo me preocupa la frivolidad del debate deportivo. Sin duda, el periodismo del corazón, la telebasura ha invadido también al periodismo deportivo, y ese es un peligro grandísimo. Aun así, creo que siempre habrá periodistas como Segurola, Ramon Besa, Pepe Sámano, Orfeo Suárez, Martí Perarnau, Jon Agiriano, Jon Rivas y un larguísimo etcétera que seguirán rindiendo culto al periodismo y al deporte.

 

“Un soviético en la Catedral” Eduardo Rodrigálvarez. Ed. Libros del K.O. 100 páginas, 8 Euros.

Entrevista publicada en la revista AUX Magazine en febrero de 2015.

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Pero sin saber muy bien el motivo, el estreno del disco fue demorándose, apareciendo aquí y allá algún tema suelto que apenas conseguían eclipsar las múltiples polémicas vía redes sociales que Azealia Banks no dudo en provocar con múltiples y variados músicos consagrados aparte de problemas varios con el sector discográfico. Así que pasaban los meses y cada vez más se temía que aquel «212» no fuera más que un destello de alguien que apenas había comenzado y que ya parecía estar amortizada y de vuelta de todo, siendo sus picos de popularidad fruto de rumores y polémicas que poco tenían que ver con la creación musical.

Casi tres años después, y cuando ya casi nadie lo esperaba, llegó su LP de debut, “Broke With Expensive Taste”. Como en repetidas ocasiones declaró y como pudo comprobarse en los temas que con cuentagotas fueron apareciendo desde 2012, Banks ha intentado abrir su repertorio estilístico abandonando en cierta manera el hip-hop de sus inicios para adentrarse en la electrónica. A destacar la variedad de las canciones que conforman el álbum así como la multitud de colaboradores que participan en el mismo, tales como Ariel Pink o Thelonius London aunque por encima de todo destacan las capacidades vocales de la autora.

Un buen disco cuyo único pero puede ser que haya llegado demasiado tarde y que el factor sorpresa de muchos de sus temas ya haya quedado esfumado, aunque da buena medida de lo que Azealia Banks puede ofrecer en futuros trabajos.

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Coincidiendo con la celebración en España del Mundobasket’2014 el pasado septiembre, se presentó una antología de relatos cuya temática central es el baloncesto. El libro, de título “Tiros Libres”, reúne a un total de dieciocho autores siendo los coordinadores del mismo los escritores, Daniel Ruiz García, David Refoyo y Patxi Irurzun.

Un libro muy variado en el estilo, pues cada autor ha tenido total libertad para escribir su relato y en el que si puede definirse una característica que vertebra toda la obra, aparte del consabido amor por el baloncesto, es una indisimulada nostalgia en la que nombres míticos relacionados con este deporte aparecen como protagonistas.

En palabras de los autores, los motivos de inspiración de los relatos son variados, entre otros, las míticas selecciones de los años 80 de la Unión Soviética y Yugoslavia, en la que jugadores irrepetibles como Arvydas Sabonis o Drazen Petrovic conseguían plantar cara a la entonces casi inalcanzable selección estadounidense conformada por jugadores universitarios. Aparece también la fascinación de aquel baloncesto de la NBA que parecía venido de otra galaxia y que de madrugada comentaba Ramón Trecet en su mítico programa “Cerca de las estrellas” y también muchos otros grandes nombres, de periodistas, jugadores y entrenadores que tan grande y popular han hecho este deporte, como el bajito Spud Webb que levantó la copa del Mundobasket’86, el malogrado Fernando Martín, primer jugador español en debutar en la NBA o el entrenador Aleksandr Gomelsky, triunfador en la Olimpiada de Seúl con la casi última y seguramente mejor selección soviética de la historia, cuyos miembros poco después desembarcarían en masa en la NBA americana.

Un título interesante, que abre un género apenas transitado y que esperemos tenga continuidad con futuros trabajos pues no es habitual encontrar títulos en castellano en los que se mezclen ficción y el deporte de la canasta.

A destacar por último que entre la extensa lista de autores a Juan Antonio Corbalán, uno de los grandes bases de la historia del baloncesto español.

“Tiros Libres” VVAA. Ed Lupercalia. 200 páginas, 15’90 Eur

Reseña aparecida en la revista AUX Magazine (www.auxmagazine.com)

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El pintor bilbaino Julio Arriaga, conocido con el alias de «Elartixta«, nos abre las puertas de su taller de pintura, el Xtudio, situado en Barcelona. Charlamos con él sobre su vitalista obra, la originalidad de las temáticas que aborda, sus inquietudes como artista y su peculiar forma de encarar la creación ante el lienzo en blanco.

A primera vista, tu extensa obra puede enmarcarse dentro del estilo expresionista, pero, hay alguna otra influencia estilística que pase más desapercibida al espectador medio?

Cuando me preguntan, suelo responder lo mismo: «Julio Arriaga, pintor expresionista figurativo bastante más guapo que sus coetáneos». Cuando digo guapo hablo solamente de mi belleza natural, claro, aunque me divierte mucho que «colegas» se indignen pensando que hablo de mi obra por encima de las suyas. Siempre me ha incomodado estar etiquetado en la cuadrícula de un estilo determinado. Nunca he sido de cuadrillas. A mí lo que me gusta es pintar y mancharme. Las influencias, incluso de estilo, llegan de la misma manera ya sea de pintura, cómic, cine o música. Y aunque quien ve mi obra pueda deducir algunos de mis artistas favoritos, no necesariamente tiene que ser por la pintura. Quiero creer que mis cuadros son reconocibles por sí mismos y que a primera vista se ve que llevan la firma de Julio Arriaga.

El humor está presente en muchas de tus pinturas, algo no muy habitual por otra parte en la mayor parte de los pintores, ¿a qué crees que es debido?

A que el artisteo en general es muy aburrido. No hay más que ir a las inauguraciones de algunas galerías, en vez de desprender alegría por la nueva expo parecen velatorios llenos de susurros. El exceso de pose no permite reír de forma natural. A mí el humor me arrima al espectador. Cuando titulo un cuadro con alguna coña, espero que al otro lado haya alguien que pille la gracieta. Y si me lo comenta le hago un descuento! jjajaj A veces son simples juegos de palabras. Otras veces va más en las forma de representar las figuras, como en algunos de la trilogía de la Oda al Ocio. Me enorgullezco de haber pintado una serie de Retratos de Cine en la que quepan desde Buñuel a Chiquito pasando por Orson Welles o Groutxo. Es algo en lo que próximamente voy a trabajar más, porque así como en radio (con el Programa Cultureta), en autobombos (alias newsletters), o en las RRSS (sobre todo en facebook /julioarriaga) el humor tiene mucho protagonismo, en mi obra pictórica todavía me sale de vez en cuando el ramalazo petulante.

Coméntanos la importancia del Xtudio, tu lugar de trabajo, en la creación de tus obras.

El Xtudio es el lugar en el que he pasado más horas en los últimos 12 años. Un local a pie de calle con escaparate a imagen y semejanza de los del barrio de putas en Amsterdam (la puerta también es roja, pero no pongo cortina). Ahí como, bebo y pinto de lunes a viernes. Un par de semanas al año se convierte en galería semitradicional con exposición y sobre todo, inauguración apoteósico-apocalíptica. Tenerlo permanentemente abierto al público para mí es un lujo. Recibir opiniones de fanses o de despistados que pasan por ahí sin saber lo que es, me ayuda a tomar distancia con lo que hago. Puse desde el primer día en la puerta un cartel que dice: DENTRO SE VE MEJOR porque quiero que entren y se sientan bien viendo cuadros tanto los habituales de museos o galerías como a los que no han visto más que los antiguos cuadros de portal. También que compren, claro. Nunca he sentido la necesidad de encerrarme en un zulo para pintar. Al contrario, siempre he sido bastante exhibicionista. Tomé la idea «prestada» de un artista en Berlín, pero no sé si hubiera funcionado sin la luz y el sol de Barcelona. Está claro que sin el Xtudio sería un pintor diferente, no sé si mejor o peor, pero seguro que no sería elartixta.

¿Sigues a otros pintores contemporáneos o prefieres centrarte exclusivamente en lo que en tu interior te empuja a pintar sin que de alguna manera el trabajo de otro artista pueda «contaminar» tu obra?

Más que seguir a pintores concretos, veo mucha pintura. Y más que ir a expos la veo en internet. Recuerdo una anécdota que contaba Ronaldo El Gordo (del que soy uno de sus mayores fans) sobre el fútbol, decía que «ver un partido por la TV o en el campo se le hacía larguísimo, que a él lo que le gustaba realmente era jugar». Aplicado a la pintura, a mí me ha emocionado ver mucha obra en directo, sí, en galerías, en museos, en estudios de pintores, pero lo que realmente me gusta es pintar.

 

Julio Arriaga
La Perla 10 loc.2 (Lun-Vier: 10:00 a 20:00 +/-)
08012 Barcelona
T: (0034) 609 675 428
www.julioarriaga.com

 

(Entrevista publicada en AUX Magazine, www.auxmagazine.com en diciembre de 2014)

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Visionario que ha abarcado los más diversos estilos del género, desde la escena Rave a la más experimental, Aphex Twin ha llevado la música hecha con instrumentos electrónicos a las más altas cotas de complejidad y virtuosismo compositivo, habiendo definido junto con el artista visual Chris Cunningham buena parte de la vanguardia audiovisual de los años noventa en los que imágenes y sonidos imposibles se combinaban simbióticamente dando lugar a extraños mundos que parecían salidos de las más perturbadoras pesadillas.

Poco se sabe de momento de este nuevo álbum aunque sí ha trascendido que se reunen temas grabados hace ya varios años y que el uso de voces será mayor que lo que hasta ahora hemos conocido de él. Expectantes de comprobar si tras tantos años sin publicar, tiempo en el la música electrónica ha sufrido una vertiginosa evolución dando lugar a estilos tan diversos como el Minimal, el Dubstep o el más reciente Footwork, el mayor genio que la electrónica ha dado será capaz de aportar algo nuevo o si su revolucionaria forma de hacer música de entonces ha quedado sobrepasada por el empuje de una nueva generación con nuevas ideas.

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Uno de los títulos más destacables de lo que llevamos de 2014 ha sido la antología de relatos publicada por el escritor Óscar Sipán que tiene el sugerente título «Quisiera tener la voz de Leonard Cohen para pedirte que te marcharas«. Una recopilación de dieciséis relatos que cuentan con el aval la mayoría de ellos de haber sido premiados en diferentes certámenes literarios de prestigio.

Historias siempre originales, protagonizadas por personajes de apariencia normal, que discurren su tránsito por la vida sin mayores ambiciones pero que en un momento determinado se ven envueltos en una trama que les lleva sin solución de continuidad hacia un final que se precipita siempre hacia lo sorprendente o perturbador.

Relatos no exentos a veces de humor negro, gotas de nihilismo en muchas ocasiones y profusión en todos ellos de sorprendentes metáforas e increíbles asociaciones de ideas y conceptos que van tejiendo elaboradas historias sobre las ansias de la búsqueda de la felicidad de sus personajes.

Destaca la maestría del autor a la hora de estructurar los relatos, su precisión al elegir las palabras y encadenarlas en frases, densas y profundas, que siempre se caracterizan por la asombrosa cualidad de dar la impresión de que nada sobra y nada falta en ellas, para desarrollar el relato y captar desde el principio toda nuestra atención y empatía con los protagonistas.

Una pequeña colección por tanto de relatos maravillosos, que reivindica con solvencia un género no siempre muy bien tratado por la crítica y que a buen seguro suscitará el interés y la sorpresa a no pocos nuevos lectores ante un tan original estilo de contar las cosas que a buen seguro se unirán a un ya muy amplio club de incondicionales de Sipán.

«Quisiera tener la voz de Leonard Cohen para pedirte que te marcharas» Óscar Sipán. Editorial Base

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Imágenes que muestran diferentes países del mundo tras la crisis inmobiliaria, ¿la intención última de este libro es la denuncia sobre cómo no han de hacerse las cosas o prima más la búsqueda de la belleza en la desolación de los paisajes fotografiados?

La intención última del libro “For Sale” es la reflexión, pensar sobre la actuación del ser humano y las implicaciones de nuestra presencia en el mundo y las consecuencias  que ha dejado la crisis económica en el paisaje. Ya que en el paisaje se refleja la identidad de una sociedad, su presente, sus sueños y sus limitaciones. Documentar estos paisajes nos ayudará a entender la sociedad en la que vivimos y preservar la memoria de nuestros errores. “For Sale” nos propone un viaje fotográfico por los paisajes de la crisis económica en los Estados Unidos, Grecia, irlanda, España y Portugal y uso la estética del lenguaje fotográfico para trasmitir las sensaciones de desolación y soledad que sentimos frente a ella.

La toma de imágenes de paisajes urbanos o industriales abandonados o en decadencia ha adquirido rango de movimiento fotográfico y se ha acabado denominando «Ruin-porn«, porno de ruinas, ¿crees acertado encuadrar tu trabajo en «For Sale» dentro de esa corriente de la fotografía o tu intención estaba lejos de buscar el sensacionalismo de dicho movimiento?
En este caso la realidad supera la ficción, y “For Sale” escapa a toda intención de sensacionalismo o moda. Esta crisis ha dejado un tipo de ruinas modernas muy impactantes y aunque el tema de las ruinas siempre ha estado ligado al mundo del arte a lo largo de la historia, creo que “For Sale” va más allá de ser un catálogo de ruinas, es una propuesta para transformar el mundo desde la reflexión. De todas formas, me parece normal que nos atraigan estos espacios, ya que la crisis los ha convertido en nuestro entorno habitual. Solo hay que fijarse y abrir los ojos para ver que estamos rodeados de una geografía de la desolación: solares vacíos, aeropuertos abandonados, andamios como esqueletos sin carne, carreteras hacia ninguna parte, palmeras que hunden sus raíces en el cemento…. Paisajes casi surrealistas, que forman parte ya de nuestro día a día.

Tanto por la temática del libro, la cara menos amable del Capitalismo, como por la forma en que el proyecto ha salido adelante, fuera del proceso habitual de la edición, muchos podrían pensar en un trabajo con una fuerte carga ideológica.

“For Sale” nace de la necesidad de expresar unas inquietudes vividas, y su función es mostrar para hacer reflexionar. La crisis económica está afectando a millones de personas y creo que tenemos que entender lo que ha pasado para no volver a cometer los mismos errores. Hacer un Verkami, o sea que el libro nazca de una plataforma de crowdfunding o micromecenazgo, creo que le da más sentido al proyecto y nos demuestra que a veces los cambios también ofrecen oportunidades. Hay que hacer las cosas distintas y entre todos.

¿Tienes pensado hacer exposiciones con las fotos que conforman el libro o prefieres centrar tus energías en una posible segunda edición del mismo?

La idea es hacer una exposición parta darle visibilidad al libro y ojala se vendieran tantos libros para poder hacer una segunda edición,  esto significaría que a la gente le interesa lo que está pasando y el porqué, y quizás que ha empezado a nacer un nuevo tipo de conciencia.

El libro “For Sale” de Elisenda Pons no está disponible en librerías pero puede conseguirse en esta dirección web: www.elisendapons.com

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En esta ocasión, y haciendo un nuevo ejercicio de libertad creativa, sin atadura alguna a modas ni estilos pasajeros, ofrecen un rotundo elepé en el que se adentran un paso más en la evolución que puede apreciarse en su trayectoria, canciones de letras oscuras y desconcertantes, que parecen anunciar el fin de un tiempo o denunciar la distopía a la que nos vemos abocados y una sucesión de ritmos despiadados que hunden sus raíces en el Krautrock, construidos con cada vez menos guitarras y más percusión y bases electrónicas, estas últimas de marcados timbres analógicos.

No hay concesiones para el gran público en este «Ballenas muertas en San Sebastián«. Es un disco exigente, excesivo en su propuesta y hasta violento en sus formas, de esos que han de ser escuchados varias veces para poder apreciar todo lo bueno que hay en él y que, de alguna manera, parece intentar alejarse de su anterior trabajo, puede que huyendo de cualquier tentación de caer en la autocomplacencia por el éxito conseguido con el mismo.

Una apuesta arriesgada y fascinante, compuesta de canciones de estructura minimalista y alejadas de cualquier atisbo pop, de sonidos crudos y letras que reflejan la antiépica y fealdad de una decadencia posmoderna en la que no queda espacio para la esperanza, merecedora de ser coronada como el mejor disco publicado por el grupo hasta la fecha y que a buen seguro no dejará a nadie indiferente. Imprescindible.

«Ballenas muertas en San Sebastián» El Columpio Asesino (Mushroom Pillow, 2014)

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